Eurídice Oscura

Danzas Griegas en Mykonos.

2012-02-14T18:21:00.000-03:00

Detalle de ceràmica griega.

Mykonos es un restaurant griego donde uno puede complacerse con una cena típica. Sin embargo, el show de danzas griegas que presentan me atrajo tanto o más que la comida.

Tres bailarines ejecutaron una variedad de danzas tradicionales, como la danza Chámikos que en principio era bailada solo por hombres dado que se realizaba antes y después de las batallas para cohesionar al grupo y darle fuerzas. Cada hombre ocupaba una posición particular en una ronda, de modo que al regresar de la contienda y volver a componer el baile se podían contabilizar las bajas. Hoy en día si bien se mantienen las figuras, la danza Chámikos es bailada también por mujeres.

La danza Hasápikos, se baila más bien al piso, de un modo arrastrado y pesado. La bailaban los matarifes, hombres grandotes y corpulentos. Fue la danza de la asociación de los carniceros durante el período bizantino, se realiza con las manos en los hombros de los compañeros y los bailarines improvisan el orden de las variaciones, comunicándose con palmadas en los hombros. Tiene dos partes, una rápida y otra lenta que pueden realizarse juntas o separadas.

Syrtós, es una danza de isla. Syrto significa “danza de arrastre”, es muy antigua, y tiene un origen religioso. Existen muchas variedades dependiendo de la zona de Grecia de la que se trate.

Las danzas griegas son transmitidas aún de generación en generación y constituyen una tradición viva. Entrada la madrugada bailó un padre de un modo íntimo y espontáneo, con el hijo adolescente y el más pequeño que no tendría tres años. Se advertía como la danza ocupaba un lugar importante para la unión familiar y para mantener las tradiciones de la comunidad.

Les dejo, como siempre, registros de video que tomé durante la cena.

Zorba el Griego.

Mykonos - Buenos Aires, Enero 13 , 2012

Danza Hasápikos.

Mykonos - Buenos Aires, Enero 13 , 2012

Danza Chámikos.

Mykonos - Buenos Aires, Enero 13 , 2012

Danza Syrtós.

Mykonos - Buenos Aires, Enero 13 , 2012

Tuve la suerte que una de las bailarinas me asesoró sobre el tema de modo que pudiera enumerarles las danzas. Es por eso que agradezco a Marina Rey muy especialmente.

O Bicho SusPenso na PaisaGen.... Una serpiente que se muerde la cola.

2012-01-31T21:38:00.000-03:00

O Bicho SusPenso na PaisaGen - Ernesto Neto - Buenos Aires 2011/12

O Bicho SusPenso na PaisaGen es una instalación de Ernesto Neto, que está expuesta en el Faena Arts Center.
La obra se despliega por todo el ambiente de la sala formando una suerte de laberinto orgánico suspendido del techo, donde el espectador es invitado a transitar y dejarse llevar por una experiencia lúdica y sensorial.
Esta suerte de laberinto-pelotero gigante, donde el espectador queda atrapado como mosca para formar parte de la obra, está construido con redes de malla tejida, pelotas plásticas, piedras y tinturas, sostenido del cielo raso por una estructura metálica.

¿Qué tiene de interesante la obra?

En primer lugar, y esto va para todo tipo de público, es muy divertida. Explora el aspecto lúdico, participativo y sensorial, e invita a jugar al espectador. Se la presenta como una muestra interactiva, es decir que se puede tocar, modificar y experimentar, pero esta obra va más allá de eso. No está constituida en cuanto tal hasta que el espectador no forma parte de ella. Sin visitante no hay obra. Si el público no la completara, ella no tendría nada que decir, ni siquiera tendría alguna razón para su existencia. Este bicho, como un cuerpo vivo, necesita devorar, digerir, excretar, reproducir y parir espectadores para obtener la energía vital que le permita subsistir como obra.

Entonces, no solo hay un aspecto lúdico que nos invita a experimentar sensorialmente sino que un semblante orgánico la hace participar de procesos biológicos, digestivos o reproductivos, que nos presentan a O bicho… como un corpus viviente que anida, se acurruca y se retuerce en el espacio de la sala y además, se alimenta de los espectadores.

Este tipo de trabajos que se funda y reverbera en la participación del público, como base para su percepción y su concretización, también ofrece una forma de liberarse del sometimiento del espectador frente a la sacralización del arte. Esto último, se vuelve bastante paradójico si uno considera el lugar donde se halla expuesta. Dado que se trata de una obra que tanto desde el título como desde la presentación, dialoga con el ambiente que habita.

¿En que paisaje está suspendido el Bicho?

La zona de Puerto Madero, no solo es un área turística, gastronómica y de negocios de la ciudad de Buenos Aires, sino asimismo es un ícono de los ideales representados por una elite económica y la frivolidad mediática. Es aquí donde está situado el espacio de arte Faena Arts Center, que conjuntamente con el complejo hotelero, pertenece a los emprendimientos del empresario Alan Faena, que ahora está también invirtiendo en arte. La sala de exposición, está enmarcada por una entrada con un local de Starbucks y dos murales de Siquier, cuya una formula abstracta geométrica y acromática se está vendiendo muy bien últimamente. En este paisaje se implanta O Bicho…

Que la obra de arte sea reducida a mercancía es algo que ya no le sorprende a nadie desde el momento que las prácticas artísticas se insertan en un mercado. Pero, me llamó mucho la atención, pensando en el contexto de exposición, que el centro de arte funciona donde antiguamente existieron grandes molinos, y esta significación nutritiva se retoma en la presentación. Cuando uno asciende la escalera que anticipa la puerta del centro artístico, se observa una leyenda monumental que dice: " Faena Art Center está situado en el corazón de un antiguo molino que antaño alimentó a la Europa de la posguerra y que hoy vuelve a nutrir al mundo a través de la cultura. "

No pude evitar una sonrisa al leerlo, porque sinceramente esa frase parecía una burla leída en ese contexto…primero, ¿De que tipo de cultura hablamos? Pero además….

¿Un bicho que se nutre de los espectadores suspendido en un paisaje donde él mismo funciona como alimento de una industria cultural que se lo traga de a poco y lo convierte en un mero objeto de negocios?

Irónico, ¿no? Al final, el bicho resultó ser una serpiente que se muerte la cola.

No dejen de visitarlo, de un modo u otro, la obra es valiosa y es realmente divertida.

Eso si, tienen que pagar entrada, obvio!

Recopilación de la temporada de ballet 2011

2012-01-25T10:34:00.001-03:00

Les dejo un potpourri de videos de lo que fue la temporada de Ballet del Teatro Colón en el 2011. Hay títulos que se repetirán este año, así que los que no vieron, La bella durmiente del Bosque, Onieguin, o Margarita y Armando, lo podrán hacer durante la temporada 2012

El Corsario, con música de Adolph Adam, Ricardo Drigo, Leo Délibes y coreografía de Anne Marie Holmes.
El dúo Oswald –Prego se dedicó a la puesta en escena. Se hizo lo mismo que viene haciendo Oswald desde hace 200 años…. Pero bué! el barco le quedó lindo al menos.

El corsario.
Música Adolphe Adam, Riccardo Drigo, Leo Délibes.
Karina Olmedo y Juan Pablo Ledo.
Buenos Aires, Diciembre 22, 2012

El corsario.
Música: Adolphe Adam, Riccardo Drigo, Leo Délibes.
Bailarina:Paula Cassano.
Buenos Aires, Diciembre 22 , 2011

Aquí tienen algunos fragmentos de Manon. Con coreografía de Keneth McMillan y música de Jules Massenet.

Manon .

Música: Jules Massenet.

Federico Fernandez y Karina Olmedo.
Buenos Aires 11 de noviembre 2011

Manon .

Música: Jules Massenet.

Dúo Cómico del 2do. acto.
Buenos Aires 11 de noviembre 2011

Onieguin, con música de Piotr Ilich Tchaikovski y coreografía de John Cranko.

A mi gusto fue la mejor producción del año.Es seguro que le dedique algún comentario futuro dado que la obra tiene prevista su reposición.

Onieguin.

Música: Piotr Ilich Tchaikovski.

Jaso Railly, Alicia Amatriain, Juan Pablo Ledo, Carla Vincelli.

Buenos Aires, Agosto 28, 2011.

Por último, les agrego un video de La Bella Durmiente del Bosque, que ya fue considerada en un post anterior y que también se repetirá en el 2012. Quienes aún no hayan llevado a sus hijos, sobrinos, nietos, al ballet, este cuento de hadas les ofrece de nuevo la oportunidad!!

La Bella Durmiente del Bosque.

Música: Piotr Illich Tchaikovski.

Karina Olmedo.

Buenos Aires, Julio 3, 2011.

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Macbeth

2012-01-24T13:27:00.000-03:00

Seguía en deuda con ustedes respecto del comentario y video del último título del 2011 de Buenos Aires Lírica: Macbeth de Verdi. Con dirección Musical de Javier Logioia Orbe y puesta en escena de Fabián von Matt.
Tengo que decir que fue una de las óperas que más disfruté del año, el dramatismo de esa historia siempre me captura y esta puesta no fue la excepción.
Uno podría decir que la visión del drama en esta pieza se vuelve a veces tan italiano que se licua la tragedia original, sin embargo, a esta altura, la figura del original es un mito mas de la modernidad, y nada le resta a la obra sino que la enriquece.
Una lady Macbeth con la soberbia de los monarcas ingleses y la energía sentimental de la sangre italiana, eso es lo que se compone en esta obra, esa mujer híbrida, lleva adelante la acción.
Mónica Ferracani como Lady Macbeth realmente estuvo muy bien en su rol, sostuvo con la voz y el gesto contenido a una reina tan ambiciosa como intensa y emocional. Por su parte, Luis Gaeta como Macbeth construyó una acertada figura del rey que tuvo más color en el acto final.

La puesta en escena mantuvo una atmósfera oscura y opresiva que por momentos me recordó la visión que tuvo Orson Welles del drama shakesperiano. Se trató de un manejo controlado de luz y oscuridad, maniobrando zonas luminosas que dejaban entrever la acción, creaban un nuevo ambiente conjugándose con transparencias, o inventaban una zona de misterio que añadía un giro aterrador. Fue también la luz quien colaboró activamente para lograr los hechos de violencia y dinamismo que se desarrollan en el climax del desenlace final.
El uso del color cerró el círculo de la propuesta escénica, con vestuarios neutros de color inexistente, salvo por el rojo, equilibradamente colocado en el vestido de la reina y en detalles de la escena de las brujas. La significación del rojo es bastante obvia, sin embargo en este caso me parece que su valor fue mucho más plástico que simbólico, dado que la propuesta visual no se interesaba en efectos conceptuales.
En síntesis, la obra conseguida fue estructuralmente sólida y lograda. Sin duda, valió la pena!

Les dejo, como siempre, algún registro que pude tomar durante la función.

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Macbeth - Verdi
Dirección Musical: Javier Loioia Orbe
Puesta en escena: Fabian von Matt
Lady Macbeth: Mónica Ferracani
Buenos Aires, Noviembre 13, 2011

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La Viuda Alegre – Franz Lehár

2011-12-30T00:39:00.000-03:00


La Viuda Alegre - Teatro Colón - 2011

El último título de ópera del teatro Colón, consistió en una puesta con un valioso nivel visual y fue bastante efectiva para conseguir el buen cierre de una temporada que mínimamente se puede describir como desafortunada.

No es que se esforzaron mucho sino que se repuso una puesta cuya eficacia ya había sido comprobada en el teatro en el 2001 y en otras partes del mundo.

La obra del 2001 se trató de una coproducción con la ópera de San Francisco. Esta primera producción de San Francisco Opera fue planteada por Lofti Mansuri, con escenografía de Michael Yeargan y vestuario de Thierry Bosquet. Una puesta en escena del 2002 se encuentra incluso editada en dvd. La misma realización se expuso posteriormente en otros teatros como en Los Ángeles Opera en el 2007. Y ahora, again!, su reposición en el Colón, 2011.

The Merry Widow - Los Angeles Opera - 2007

La puesta en escena fue linda, con vestuarios coloridos, fastuosos con un estilo vienés, y una escenografía que recuerda los carteles y decoraciones teatrales de Alfons Mucha con su estilo Art Nouveau (Lástima que sin Sarah Bernhardt).

¿Qué quiere decir esto? Que el escenógrafo recurrió a formas de la historia del arte para plantear los decorados y el estilo de esta ópera.

Entre otras características el art nouveau utiliza motivos ornamentales continuos en forma de un cordón delgado que se entrelaza en infinitas variaciones entre texto e imagen. Las bandas ondulantes se repiten en las líneas estilizadas de las cabelleras femeninas, elementos del mundo vegetal y animal, arabescos y figuras simbólicas tomadas del arte bizantino.

The Merry Widow - DVD - 2002

No me quiero detener en la descripción del estilo que de un modo u otro persiste en la retina de la mayoría de los lectores, solo decir que la alusión a este tipo de representación me pareció interesante. Esto no solo porque la obra se inscribe en la tradición de las operetas vienesas, críticas y satíricas, sino que además se estrena en 1905, época en la que más o menos el modo de representación del art nouveau ya era moneda corriente e incluso pasada de moda. Con una diferencia de unos años, ese lenguaje estético estaba en el aire en el momento del estreno de La Viuda Alegre y se corresponde visualmente con su estilo musical. Quiero decir que: Austria, Viena, opereta vienesa, art nouveau, Mucha, Klimt, representaciones teatrales de Bernhardt, coinciden mas o menos conformando un conglomerado estético con cierta lógica común. Algo de este espíritu, tal vez se quiso captar a través de la escenografía de Yeargan y la producción que comentamos.

La Viuda Alegre - Teatro Colón - 2011

Con la elección de esta puesta, da la impresión de que se recurrió a una fórmula cuyo buen resultado ya había dado muestras de éxito para conseguir un cierre de temporada digno en un año signado por una serie de infortunios, varios de ellos provocados en mayor o menor medida por decisiones desacertadas y por la sordera inexplicable de algunas autoridades. De más está decir que cada una de estas pequeñas desgracias, traen como consecuencia un deterioro creciente de la calidad de las obras presentadas en el Colón, que ya a esta altura no se entiende como en el imaginario cultural aún sigue siendo un ente legitimador.

Uno se figura dos personajes hablando…

La viuda Alegre - Teatro Colón - 2001

- Che! ¿Cómo hacemos para recuperar la grandeza perdida?

- Ehhh … usemos algo que ya se hizo, gustó y que hace 10 años estuvo bueno !!!

Nosotros marcamos el canon, así que hacemos de cuenta que no pasó nada en la escena artística en esta última década. Una formula vieja tiene que pegar bien!!
- Dale! Si total es muy posible que sea el mismo público. Muchos ya pueden estar seniles o morirse sentados en el palco!!!

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La Viuda Alegre - Franz Lehár

Director musical: Gregor Bühl -Dirección de escena: Candace Evans

Diseño de Escenografía Michael Yeargan -Leonora Del Rio como Hanna Glawari

Ballet estable de Teatro Colón - Buenos Aires, Diciembre 11, 2011

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Die Fledermaus – Johan Strauss

2011-12-28T22:08:00.001-03:00

Atrasadísima con los últimos títulos del 2011, y decidida a dejarles los videos antes de que comience la nueva temporada de ópera, les iré actualizando de a poco una cantidad de cosas que tengo para ustedes.

Comienzo con los registros de Die Fledermaus (El murciélago) de Johan Strauss, con producción de Juventus Lyrica.

La puesta en escena estuvo muy divertida y la gente la disfrutó mucho.

La dirección escénica estuvo a cargo de Ana D´Anna que como de costumbre no se caracterizó por su originalidad pero fue correcta. Localizó la acción en una Viena cercana al 1900 utilizando en la escenografía tanto una reproducción de Klimt como fuentes características del pintor. Además colocó un diván freudianísimo y personajes con un vestuario literal. Entonces, cero originalidad pero iconográficamente eficaz!! Ya a esta altura estoy pensando que esto puede constituir una cuestión de estilo, porque siempre hace lo mismo.

Se destacaron principalmente las voces femeninas de Macarena Valenzuela en el rol Rosalinde y Laura Penchi como Adele. Lo que estuvo interesante es que en la escena de la fiesta, hubo figuras invitadas que realmente enriquecieron la obra. Ellos fueron Gui Gallardo, Darío Schmunck, y una deliciosa Soledad De La Rosa cantando el tango Nostalgias que les incluyo en uno de los videos.

Die Fledermaus - Johann Strauss.
Macarena Valenzuela , Santiago Ballerini, Fernando Alvar Nuñez.
Buenos Aires, Noviembre 5, 2011.

Die Fledermaus - Johann Strauss
Laura Penchi como Adele.

Buenos Aires, Noviembre 5, 2011.

Nostalgias - Soledad de la Rosa.
Buenos Aires, 5 de Noviembre, 2011

La muerte de la ópera. Opiniones de Slavoj Zizek y Mladen Dolar.

2011-10-21T22:38:00.045-03:00

ZIZEK, Slavoj y DOLAR, Mladen

2002 Opera´s second death. London: Routledge

Estuve leyendo algunos escritos de Slavoj Zizek y Mladen Dolar sobre ópera para un trabajo de investigación que me tiene interesada.
Dado que tengo el vicio de leer atentamente a algunos autores, y considerando que no encontré versión en castellano del libro (Opera´s Second Death. 2002), me pareció pertinente dejarles un testimonio sobre algunas de las opiniones que estos autores tienen sobre la ópera, tema que al fin y al cabo, es el motivo principal de este blog.

Slavoj Zizek y Mladen Dolar, abordan la noción de sujeto y subjetividad en la ópera. Tomando en cuenta conceptos del psicoanálisis y del materialismo dialéctico, estos autores persiguen no solo la existencia de la subjetividad, sino los puntos de goce, tanto superyoico como fantasmático, y las vías deseantes que se ponen en juego en los productos culturales.

Dado que la creación de la ópera y la de la subjetividad son eventos prácticamente simultáneos, estos autores consideran que en el corazón de la ópera se encuentra desde el comienzo, la transformación del individuo en sujeto, a través de la representación dramática y musical. (En 1607 se produjo la creación de la primera ópera, L´Orfeo de Monteverdi. El Discurso del Método de Descartes data de 1637, ese mismo año se abre al público la primer Casa de Opera.)
Se plantea una afinidad entre la ópera como estructura recién creada y el mito de Orfeo. Aquí no solo la música es la que mueve la acción dramática, sino que se convierte en la fuerza que pulsa detrás de los eventos. Orfeo desciende al infierno portando un solo instrumento: su música. Y es la música la que mueve a compasión de la deidad y desafía la muerte.
Aparece aquí el paradigma básico de la ópera: Ante lo religioso y lo erótico, la música se utiliza para apelar al Otro, presentarse ante él y obtener su consentimiento. Ella es al mismo tiempo tanto un instrumento de trascendencia como de sensualidad y erotismo.
La música es la única estrategia que resta cuando todas las demás fallaron. Ella despierta el amor, y consigue la piedad de deidades y monarcas, ella también encarna una respuesta del Otro. Este constituye el dispositivo elemental de la ópera.
Sobre este modelo se construye lo que será la opera tradicional representada por la ópera seria.

Mladen Dolar

En los años que siguieron a la creación de L´Orfeo, la ópera fue estandarizada, se establecieron firmes convenciones y gradualmente se convirtió en un evento social. Considerando estas convenciones, la acción dramática se llevaba adelante a través de recitativos, mientras que las arias constituían un punto de descanso que agregaba la expresión musical de un momento emocional y subjetivo. De este modo, toda la acción dramática que era después de todo la fuerza que movía la ópera, quedó divorciada de la acción musical, reservada para las arias. Así la ópera se fragmentó entre arias, (en ocasiones interceptadas por coros y duetos) y recitativos. Cuando la música ganaba el escenario era para producir una ruptura, una cesura en la acción dramática.
Con la aparición de la ópera Mozartiana, el dispositivo de las arias fue complementado con otro dispositivo, el ensamble.
Las operas de Mozart siguen la tradición de la ópera seria. En ellas, el Otro ante el cual el héroe o la heroína dirigen su apelación, es de diferente status social (monarca o deidad). La ópera llega a su conclusión cuando el Otro muestra su condición sublime por medio de un acto de misericordia. El héroe prueba que merece ser recompensado con la subjetividad puesto que estuvo dispuesto a asumir el riesgo de muerte.
El acto de piedad del Otro debe ser comprendido sobre el telón de fondo de la Ley. Dicho perdón se encuentra más allá de la legalidad. Este Otro, entonces, no es un Otro que sea agente de una legalidad en la que él mismo está inmerso, sino que encarna la voz de una ley que va más allá de la ley.
Esta lógica de la misericordia, tan elemental para la estructura de la ópera, hunde sus raíces en la lógica del Superyó, la otra cara cruel y maliciosa de la ley.
La música será la comida del superyó. Esto es lo que nos permite relacionar el punto en que la opera seria nace del corazón del absolutismo.
Como contrapartida de este sistema, se plantea que la ópera buffa mozartiana pone en juego un lado más democrático en la construcción de la subjetividad. La unidad dramática fundamental podría resumirse como: Enredos en el camino al matrimonio. Detrás de la pareja de enamorados se encuentra la dupla amo-criada. La tensión se ve resuelta cuando la criada desposa al señor y obtiene el ascenso social. Aquí la fuerza del amor, sostenida por la música, derrota la inigualdad inicial.

Slavoj Zizek

Zizek, considera a la ópera como un lugar privilegiado para el despliegue de la fantasía. La ópera retroactivamente recrea el pasado mítico en el que nadie cree pero que sin embargo todos están dispuestos a re-crear.
Ella se convierte en un lugar privilegiado donde rastrear al sujeto dentro de la narrativa fantasmática. De este modo se crea una gran cantidad de posiciones del sujeto múltiples y dispersas entre las cuales este puede pivotear. Además considerando a la fantasía en su función de sostén de deseo, en ella se puede despejar la función del objeto a.
Es por ello que la opera permanece como un reliquia, un gran anacronismo, una persistente reviviscencia de un pasado perdido, una reflexión sobre la ausencia de aura, en síntesis, un tema verdaderamente posmoderno.

Lohengrin – Una noche accidentada.

2011-09-30T15:59:00.000-03:00

Estuve el miércoles en la representación de Lohengrin de Wagner en el teatro Colón. Con Ira Levin como director musical y Oswald – Prego en la puesta en escena.

Fue una noche accidentada ¡!! A falta de uno hubo dos “caballeros del cisne”. Uno mas cachuzo que el otro!!!

El primer tenor Richard Crawley, que no era ninguna maravilla, se descompuso después del segundo acto, posiblemente se lo haya tenido que llevar el SAME, pero este detalle aun no está comprobado. Estuvo la ambulancia por ahí, pero no sé si era para el tenor. ( En todo caso que la tengan preparada otra vez para esta noche, por las dudas las presiones del tercer acto produzcan algún un ataque de pánico.)

Síntesis, Crawley se descompuso por un “problema con sus cuerdas” justo antes de afrontar el tercer acto, el más exigente para el protagonista.

Esto dio paso a su reemplazo, Horton Murray, el otro tenor, que en la mitad del tercer acto desafinó de tal modo que me recordó al grito de tarzán llamando a los elefantes.... todo el teatro hizo "ohhhh"!, así que imaginen lo que fue.

¡¡¡ Pobre tipo mandarse semejante desastre y tener que seguir arriba del escenario!!! ¿Cómo se remonta eso? No quisiera estar en sus zapatos!!!
La soprano estuvo preciosa y la Mezzo también, salvo por el hecho de que las pobres estaban bastante excedidas de peso y cada vez que se agachaban había que levantarlas entre cuatro.

¿Si ves que no se pueden levantar? ¿Las tenés que hacer cantar agachadas?

Las cantantes femeninas tenían la gracia de un elefante, pero cantaron re lindo.

El coro estuvo impecable!!! Fue lo mejor, junto con la protagonista Ann Petersen.

En realidad, el coro y la soprano salvaron la ópera….
La puesta en escena prolija, simétrica, bien iluminada, pero del siglo pasado!!!

Oswald… oswald…. La escenografía que usaste parecía una fotocopia gigante. ¿Era necesario ese ploteo espantoso? Y el video del cisne no se entendía, parecía una hadita o una flor enorme… sin contar con que en la retirada del caballero, uno lo veía caminar por el costado de la filmación, le faltaba agacharse en puntitas de pie para hacer completa la comedia!!

En fin, por lo demás, Wagner es siempre un placer!!!!

Les dejo un videíto, van a odiar la cabeza que se interpone, pero paciencia... es muy difícil filmar desde la platea!!!

Lohengrin - Richard Wagner.

Dirección musical, Ira Levin.Puesta en escena, R. Oswald.

John Horton Murray como Lohengrim. Ann Pettersen como Elsa de Brabante.

Buenos Aires. 28 de Septiembre, 2011

Suor Angélica - Pagliacci..... El pogo de la monja suicida y el payaso asesino !!!

2011-09-17T23:16:00.029-03:00

Suor Angélica, de Giacomo Puccini y Pagliacci de Ruggero Leoncavallo. Producción de Buenos Aires Lírica. Dirección Musical de Carlos Vieu y puesta en escena de Marcelo Perusso.

De Suor Angélica me impresionó, además de la interpretación de Florencia Fabris (Esa chica está cantando cada vez mejor!!!), el modo en que se resuelve la acción dramática al final. No se presenta ni la imagen de la virgen ni la del niño muerto, por lo que uno podría sostener la duda acerca de si la monja queda salvada o condenada. Sin embargo, una luz cenital que ilumina a la protagonista parece conseguir el efecto de la salvación sin necesidad de la aparición de las imágenes que tradicionalmente representan el perdón de la virgen. Esto sumado a las figuras oscuras que se retiran antes del advenimiento de la luz y el vestido con leds iluminado, consigue el efecto deseado utilizando elementos estéticos mas abstractos y conceptuales sin necesidad de recurrir a la figuración habitual.

Suor Angélica - Giacomo Puccini.

Dirección Musical, Carlos Vieu. Dirección escénica, Marcelo Perusso.

Florencia Fabris como Suor Angélica. Buenos Aires, 11 de Septiembre, 2011

.......

Pagliacci , una tragedia tan sanguínea, tan italiana, capturó al público desde el primer momento. Impresionaron las voces de Luis Lima en el papel de Canio, Florencia Fabris como Neda y Omar Carrion como Tonio (Este último estuvo mejor en este papel que en el Boccanegra que hizo en el Colón el mes pasado).

La escena final del teatro dentro del teatro estuvo magistralmente resuelta, y el hecho de sustituir la puñalada por el disparo de pistola me cayó muy bien.

El personaje de Neda había estado compuesto muy a lo Carmen, no solo porque los destinos y las personalidades se parecen sino por el modo de representarlas en las dos operas de este año. La composición de Neda tuvo varias reminiscencias a la puesta de Carmen de Marcelo Lombardero. Sin embargo, el hecho de sustituir el cuchillo por una pistola y cambiar la muerte final, pone en contraste a estos personajes, y los diferencia.

Ubicar temporalmente a Pagliacci, a través de la puesta, en una Italia de fin de la segunda guerra, acerca esta opera verista al cine del realismo italiano con el que tiene varios elementos conceptuales en común.

Esta comunicación entre la ópera y el cine queda explicitada directamente por el hecho incorporar credits en la obertura. ¡¡Que interesante me pareció ese recurso!!

Además, bueno… todos recordamos la escena de Los Intocables con el aria del payaso de telón de fondo ¿no?

Pagliacci - Ruggero Leoncavallo.

Dirección Musical, Carlos Vieu. Dirección Escénica, Marcelo Perusso.

Florencia Fabris, Luis Lima, Omar Carrion.

Buenos Aires, 11 de Septiembre, 2011

Pagliacci - Ruggero Leoncavallo.

Dirección Musical, Carlos Vieu. Dirección Escénica, Marcelo Perusso.

Florencia Fabris y Fermín Prieto.

Buenos Aires, 11 de Septiembre, 2011.

Pagliacci - Ruggero Leoncavallo.

Dirección Musical, Carlos Vieu. Dirección Escénica, Marcelo Perusso.

Florencia Fabris, y Omar Carrion.

Buenos Aries, 11 de Septiembre, 2011

Pagliacci - Ruggero Leoncavallo.

Dirección Musical, Carlos Vieu. Dirección Escénica, Marcelo Perusso.

Florencia Fabris como Nedda.

Buenos Aries, 11 de Septiembre, 2011

Lucia di Lammermoor

2011-09-17T14:38:00.002-03:00

Lucia di Lammermoor, con música de Gaetano Donizetti, producción de Juventus Lyrica, dirección musical de Hernán Sanchez Arteaga y con una Laura Polverini que estuvo perfectamente a la altura de su rol y compuso una inocente y conmovedora Lucía.

La puesta en escena fue de Leonor Manso y debo decir que me pareció inteligente por donde se mire. Con una notable economía de medios (cosa que no significa pocos recursos), la puesta fue segura, contundente y ajustada los elementos dramáticos que se buscaba destacar.

Se manejó con la abstracción geométrica de un círculo luminoso y un cuadrado de luz (o dos figuras paralelas rectangulares).

Círculo y cuadrado iban tomando distintos lugares compositivos en los planos escénicos acentuando la acción dramática y construyéndola respecto de estos elementos geométricos.
En la escena final el coro se desplazó con un movimiento centrífugo en espiral en torno al círculo ausente acentuando el sentimiento de pérdida y de caía en el que estaban inmersos los personajes. Me pareció bellísimo.

Lucia di Lammermoor - Donizetti

Dirección Musical, Hernán Sanchez Arteaga.

Dirección Escénica, Leonor Manso.

Laura Polverini como Lucía.

Buenos Aires, 3 de Septiembre 2011

Lucia di Lammermoor - Donizetti

Dirección Musical, Hernán Sanchez Arteaga.

Dirección Escénica, Leonor Manso.

Laura Polverini como Lucía.

Buenos Aires, 3 de Septiembre 2011

Lucia di Lammermoor - Donizetti

Dirección Musical, Hernán Sanchez Arteaga.

Dirección Escénica, Leonor Manso.

Laura Polverini como Lucía y Leonardo Pastore como Edgardo.

Buenos Aires, 3 de Septiembre 2011

Lucia di Lammermoor - Donizetti

Dirección Musical, Hernán Sanchez Arteaga.

Dirección Escénica, Leonor Manso.

Cristian de Marco como Raimondo.

Buenos Aires, 3 de Septiembre 2011

Santa Nitoca

2011-09-04T01:37:00.010-03:00

Fuimos a ver una obra al CETC del Colón. Estaba presentada como Monodrama para mezzosoprano, clarinete, percusión, piano y voces grabadas.

En realidad fue más bien una instalación musical con textos muy poéticos. Orquesta y cantante estaban ubicados detrás de un tul rojo, y en dos pantallas de video se proyectaron, fotos y videodanza. Hubo además una bailarina exótica que incluso bailó en el caño.

La obra trataba sobre una prostituta de peep show. La poética ponía de manifiesto elementos de la mujer tomada como objeto y lugares degradados de la sexualidad.

Me interesó mucho que el espectador quedaba convertido en el voyeur de ese tipo de shows eróticos.

Estuvo re re re bueno !!!! Van dos videos que tomé durante la puesta!

Besitos, besitos, chau, chau !!!

Santa Nitoca (Santi Nitouche).

Música de uis Naòn. Textos de Yves Pagès.

Directora musical, Rut Schereiner.

Cantante, Susana Moncayo.

Buenos Aires, 27 de Agosto 2011

Santa Nitoca (Santi Nitouche).

Música de uis Naòn. Textos de Yves Pagès.

Directora musical, Rut Schereiner.

Cantante, Susana Moncayo.

Buenos Aires, 27 de Agosto 2011

Simon Boccanegra..... y el mamotreto gigante.

2011-08-18T01:18:00.063-03:00

Omar Carrión y Virgina Wagner. Simon Boccanegra. Teatro Colón.

Les dejo unos videos que les debía de la puesta de Simon Boccanegra con dirección Musical de Stefano Ranzani y Dirección de escena de José María Condemi.

Escuché a los dos elencos. Me gustó bastante más Virginia Wagner en el papel de María que Ángela Marambio. Me sorprendieron para bien, Fabían Veloz del primer elenco, como Paolo, y obviamente Gustavo Lopez Manzitti que sostuvo todas las funciones el rol de Gabriele Adorno.

Lo que no comprendo es por qué teniendo un escenario giratorio con los recursos que existen en el teatro, hacen una obra con un mamotreto gigante, estático, que ocupa más de la mitad del espacio escénico.
¡¡¡ Apuestas a que el escenario giratorio no les está funcionando bien !!!

Y ni hablar de esa especie de telón inmenso, cuadro de marina abetunado, que oscureció todo el primer acto y que ni siquiera dejó lugar para el desplazamiento del coro. Bizarro!!!

De no haber sido por la iluminación la puesta hubiera sido vomitiva, pero bue... por suerte las luces le incorporaron alguna mínima poética a ese armatoste terrible que no se entendía si era un barco hundido, una ballena muerta, o las escaleras disfuncionales del palacio Genovés. ( Cada vez que la protagonista bajaba, pensaba... ahora se cae, ahora se cae... ¿Como será una soprano rondando por un esqueleto de mampostería?).

Además, ni se gastaron en hacer un vestuario nuevo porque usaron "Vestuario histórico".

O sea... fueron al sótano y ...

- che! llevame a la tintorería tres vestidos, dos capas rojas y unos pantaloncitos mas o menos pasables !!!

- ¿Que les ponemos a los soldados? me quedan unos cascos ridículos que deben ser de algún Nabuco, te sirven? -

- Si si dale, mandalos .... total esta temporada ya es irremontable!

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Simon Boccanegra - Giuseppe Verdi

Dirección Escénica José María Condemi

Dirección Musical: Stefano Ranzani /Carlos Vieu

Ella Es Virgina Wagner como María Boccanegra.

El es Omar Carrión como Simon Boccanegra.

Teatro Colón, Buenos Aires, 29 de julio 2011

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Simon Boccanegra - Giuseppe Verdi

Dirección Escénica José María Condemi

Dirección Musical: Stefano Ranzani /Carlos Vieu

Ella Es Virgina Wagner como María Boccanegra.

El es Omar Carrión como Simon Boccanegra.

Teatro Colón, Buenos Aires, 29 de julio 2011
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Angelika Kirchschlanger y la Camerata Bern contra el telón de Kuitca! ¡Dionisíaco!

2011-07-31T11:38:00.000-03:00

Estuve en el concierto del la Camerata Bern con la Mezzosoprano Angelika Kirchschlager.

Fue espectacular!! Ella es un infierno y las cuerdas estuvieron más que impecables.

De todo lo que vi en esta primera mitad del año, esto es lo que mas disfruté!

Como no soy egoísta, les dejo unos videítos para que tengan una pequeña muestra… :)

¡Atenti al fondo que está el telón de Kuitca!!!

Digo Kuitca y no Kuitka-Ascar porque se nota que el diseño es de él y que a ella la puso a trabajar en la producción y confección.

No… El motivo no son manchas de vómito...
Es una representación abstracta del plano de planta de la sala!!

Debo admitir que la obra me re interesó y que Kuitca es un artista que respeto. Además es cierto que el telón se integra mucho al teatro y no compite con la arquitectura de la sala. Le agrega una representación conceptual que no resulta redundante sino más bien esclarecedora.

Angelika Kirchschlager y la Camerata Bern. Teatro Colón. 2011

Ademàs , entre el rojo, el dorado y la pasamanería, se agregaron verdes y celestes. Se incorporan así a composición los colores de la cúpula de Soldi, de modo que el fresco queda ahora más integrado a través de sus características formales.

Eso si…. El Telón flamea que da calambre !!! Parece livianito como la Sílfides del bosque!!!

Y bue…No hay caso…
La posmodernidad es Light.

Svegliatevi nel cuore - Händel
Camerata Bern - Angelika Kirchschlager.
Buenos Aires 26 de Julio 2011

Cara Speme - Händel
Camerata Bern - Angelika Kirchschlager.
Buenos Aires 26 de Julio 2011

Il Mondo della Luna - Haydn

2011-07-28T21:38:00.000-03:00

¡Presten atención a este reggisseur, Pablo Maritano!¡Sus puestas en escena tienen marca de autor!

En julio de este año puso para BA Lírica Il Mondo della Luna de Haydn, con dirección musical de Rodolfo Fischer, y tuvo a su cargo el año pasado la puesta en escena de Serse. En ambas óperas utilizó elementos estéticos similares que dejan intuir un estilo propio y particular.
En Il Mondo della luna, hubo énfasis en la capacidad actoral de los cantantes, logrando un efecto divertido e irónico que se notó en la risa espontanea del público.

Le Voyage dans la Lune - Georges Méliès - 1902

Maritano hizo alusión a la historia del cine e incluso a la fotografía, cosa casi imposible de pensar en una ópera barroca y sin embargo, voila! Reprodujo deliciosas imágenes de El viaje a la Luna de Méliés, para luego jugar con la representación performática del acto fotográfico. Este tipo de detalles brindan un respiro de frescura al mundo de la ópera que a veces se muestra demasiado estático.

Un lenguaje surrealista se expresó más que nada en el segundo acto con la representación del mundo lunar. Había elementos iconográficos que remitían por momentos al país de las maravillas de Alicia, o al mundo submarino de Julio Verne. Esto denota que el régie recurrió a citas de mundos remotos e imaginarios utilizados tanto por el cine como por la literatura. Este tipo de intertexto que puede tener una obra, es lo que la hace rica en diferentes lecturas, amplia en significados y contribuye al placer estético de ciertos espectadores que aceptan el desafío de dejarse llevar por ese palimpsesto que puede constituir la obra de arte.

No los entretengo más!!! Les dejo algunos videos del primer acto con un poco de todo!

Besitos, besitos, chau, chau!